Le décor

Blick

Commissariat
Pierre-Olivier Arnaud et Julie Portier

Avec Clémentine Adou, Clément B.
Jean-Charles de Quillacq, Hélène Janicot
Camille Le Meur, Pepo Salazar Lacruz
et Pierre Weiss

Nous ne voulons pas un paysage, nous désirons un terrain vague.

Ne rien dire d’autre, ce serait court comme propos curatorial. Pas de statement, pas de théorie, mais du désir. Cesser d’argumenter sur la raison d’être des oeuvres mais simplement vouloir leur présence, là. Quel espace reste-t-il vraiment pour ça ? Nous savons bien qu’ils sont rares les endroits où l’art n’a pas à se justifier. Nous les voyons reculer dans les marges et parfois disparaître en silence. Comme celleux qui font vivre la Tôlerie et les lieux qui lui ressemblent, nous chérissons ces espaces libres et nous les rêvons encore, en essayant de ne pas trop jouer les héros.
Terrain vague, no man’s land, zone blanche, wasteland, dent creuse… désignent des espaces sans désignation, des phénomènes urbains “jugés trop vagues ou trop complexes pour figurer sur une carte”2. Ni construit, ni cultivé, le terrain vague est le lieu du encore rien ou du toujours provisoire, laissé à l’écart du projet de la ville fonctionnelle et productive. Associé à la construction des grands ensembles en périphérie de celle-ci, il ne dessine pas un paysage mais une zone, ne se contemple pas depuis un point de vue unique (dominant) mais se traverse dans tous les sens. C’est l’anti-vedute. Ainsi apparaît-il au cinéma, chez Marcel Carné3 (juste avant Pasolini), ce vide entre les HLM, comme la possibilité de fuir la prison familiale et le système éducatif, pour une première génération d’enfants malades de l’échec du modernisme. C’est alors l’espace du désoeuvrement et de la bagarre mais aussi des sexualités troubles, l’endroit où se croisent les bandes de jeunes, les crève-la-faim, les dealers, les graffeurs… En littérature, c’est l’éden des flâneur·euses, la tradition romantique se perpétuant dans l’anthropologie contemporaine où il est encore le lieu d’émotions esthétiques intenses, de la rencontre avec le déchet magnifique et l’expérience de la perplexité4. Dernière contrée des significations absentes.
Tous·tes les artistes de Blick se méfient de l’appareil hyper-signifiant du capitalisme5. Leurs oeuvres agencent des signes qui s’obstinent à ne pas formuler de message, jusqu’à revendiquer leur opacité dans ces effets de transparence, jeux de répétition et de vraies évidences. C’est ce qu’il leur reste de l’héritage de l’art minimal. Traversées de fictions et chargées d’affects, elles finissent souvent par admettre aux regards attentifs qu’elles ne sont que ça, (un tube, un truc vide rempli de matière) ce qui n’enlève rien de leur sensualité bizarre. Aussi ont-elles en commun d’assembler des matériaux pauvres (le plus coûteux restant les bombes de peinture – si toutefois elles étaient achetées), premier prix ou déchets issus d’un circuit extra-court. Toutes ou presque procèdent de gestes simples, dénués de savoir-faire et plus ou moins régressifs, des choses qu’on aurait presque pu faire enfant6. Est-ce un hasard si l’exposition qui voulait ressembler à un terrain vague un peu ballardien pourrait aussi bien figurer une version zombie d’un open space pour employé·es d’une industrie créative (tables Ikéa, néons, mood boards) ?

1 “regard” en allemand est le titre d’une sculpture d’Iza Genzken (1987)
2 Philippe Vasset, Un livre blanc, récit avec cartes, Fayard, 2007
3 Marcel Carné, Terrain vague, 1960
4 Voir Jacques Réda, Les ruines de Paris, 1977
5 Pepo Salazar Lacruz, Reinforcement of good responses (coférence), 2023
6 Jean-Charles de Quillacq, Mes mains dans tes chaussures, n.d.

Le décor
Le cabaret

Wearing the dead

En partenariat avec le FITE
Biennale textile Beauté(s) 2026

Darius Dolatyari Dolatdoust

Wearing the dead, « Porter les morts », est une performance dans laquelle à la fois le costume et le corps portent l’héritage. Le costume produit sa propre danse du fait de ses particularités. Dans cette performance, le costume est un voyage, un pont entre une culture dont j’ai hérité et dont je fantasme : l’Iran. Les costumes s’inspirent de l’exposition iranienne du Louvre et tante de donner corps au fantomes qui les habitent. J’ai créé ces costumes comme une seconde peau à porter par différentes physiqualités et ainsi tenter de comprendre comment nous construisons notre identité : inspiré par le passé mais toujours présent dans notre vie présente, l’idée et de créé ce dialogue impossible, activant la chorégraphie de la mémoire. Porter ces costumes est une façon pour moi de faire partie d’une Histoire commune, de réincarner une mémoire vivante qui n’est pas la mienne mais qui est toujours en moi. Le costume déclenche le mouvement. Par sa nature, sa conception, le costume lui-même est créateur de mouvement. La dramaturgie se construit dans un rituel : Se déshabiller, s’habiller et revêtir les costumes, incarner des histoires/Histoires à travers une chorégraphie, c’est un voyage, une trans qui me permet de me reconnecter avec mes origines iraniennes.

Darius Dolatyari-Dolatdoust (France / Iran / Allemagne / Pologne ) est un artiste plasticien , performeur, chorégraphe et designer. Son approche tourne autour de la fabrication de costumes, qu’il considère comme un espace de transformation et d’hybridation, en ce sens qu’ils modifient notre rapport au corps, à la danse et au langage. Le vêtement devient alors un moyen de questionner son identité, que ce soit en rappelant ses origines iraniennes, en réalisant des costumes inspirés des oeuvres perses du Louvre, ou en déconstruisant notre rapport de pouvoir envers d’autres espèces, en imaginant des créatures hybrides à la frontière des humains et des animaux.
Il a présenté ses performances et oeuvres plastiques dans des galeries et institutions telles que la Fondation Fiminco (Paris), la Galerie Suzanne Tarasieve (Paris), Wiels - Centre d’Art Contemporain (Bruxelles), le Stedelijk Museum (Amsterdam), le Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne (Luxembourg), le Momu - Musée de la Mode d’Anvers, la Villa Noailles (Hyères), le 19M (Paris).
Il a été résident à la Villa Kujoyama en 2025.

Le cabaret
Les coulisses

Pour qui brille le soleil

Olga Boudin

Avec le soutien du CNAP - Programme Suite 2026


Daddy's temple

Darius Dolatyari Dolatdoust

En partenariat avec le FITE
Biennale textile Beauté(s) 2026


Pour qui brille le soleil

Olga Boudin

Avec le soutien du CNAP - Programme Suite 2026

Ce projet a bénéficié du soutien du Centre national des arts plastiques dans le cadre du programme Suite 2026, en partenariat avec l’Académie des beaux-arts.


Olga Boudin présente le versant pictural de son projet Le ciel traverse bien les fenêtres, qui interroge la pratique du vitrail, mise au service du vivre ensemble et d’espaces de vie qui s’organisent en rupture avec la propriété individuelle privée, en se laissant guider par l’idée que les origines de l’égalité peuvent aussi être trouvées dans la nature.
En s’intéressant à ses courants historiques et aux motivations politiques qui ont conduit à certaines grandes commandes dans le passé, Olga Boudin, à son tour, dessine des vitraux. Elle les conçoit débarrassés de leurs fonctions de démonstration de pouvoir et les installe, avec la complicité de la vitrailliste Charlotte Swiatkiewicz, dans des lieux situés en ruralité où la propriété est collective.


Olga Boudin, née en 1991, est diplômée des Beaux-arts de Paris en 2018. Elle vit et travaille à Lacelle sur le plateau de Millevaches où elle développe une pratique de la peinture qui réserve une large place à la nature morte et à la recherche de motifs. Elle est membre du collectif Amicale mille feux qui développe depuis 2017 un espace de travail et de diffusion artistique à Lacelle. En 2019, elle fonde la maison d’édition Hourra qui publie de la poésie et des écrits sur l’art et elle enseigne à l’École européenne supérieure de l’image depuis 2025.
Olga Boudin a bénéficié du soutien à un projet artistique du Cnap en 2025.


Daddy's temple

Darius Dolatyari Dolatdoust

En partenariat avec le FITE
Biennale textile Beauté(s) 2026

Daddy’s temple + Restitution des workshops réalisés à Mille Formes


Daddy’s Temple s’attache ici à déconstruire les notions d’héritage culturel en revisitant les origines iraniennes de l’artiste, à travers la représentation de plusieurs épisodes du trajet d’exil de son père. Sous forme de témoignages sonore et visuel (de miniatures en peinture à des tableaux de feutre), cette installation ouvre la potentialité d’une histoire personnelle à devenir collective et politique.
Cette installation se compose de trois structures en bois : des arches ouvertes qui dessinent un angle. L’artiste les nomme «portes-tombes», petites architectures verticales, à la fois fragiles et symboliques, dressées comme des seuils entre mémoire et oubli. Inspirées des formes italo-grecques, elles convoquent une culture européenne partagée, entre Athènes et la Toscane, entre mythe fondateur et héritage transmis.
Chacune de ces voûtes abrite, sur sa face extérieure, un feutre de laine. Ce feutre a été conçu à partir d’images d’archives représentant le père de l’artiste durant son enfance en Iran, peu avant son départ pour la France, puis plus tard, une fois installé. À ces images s’ajoute une pochette brodée renfermant une enceinte discrète, d’où s’échappe un témoignage audio : la voix du père y raconte sa vie avant l’exil, son intégration, puis sa désintégration progressive en terre étrangère.
Ces pochettes sont accompagnées de petites peintures, accrochées à l’intérieur des structures, illustrant certains passages de l’enregistrement. À l’instar des fresques de la basilique Saint-François d’Assise, la narration se déploie dans l’espace et le mouvement du corps ; ici, la fresque est remplacée par le feutre, les pigments sont fixés sur un support mobile, et c’est la vie d’un profane — non celle d’un saint — qui se donne à lire et à entendre.
Cette oeuvre explore l’intime pour mieux interroger le collectif. Elle tisse un dialogue entre une culture iranienne transmise par filiation et une culture gréco-romaine acquise par l’éducation, faisant émerger un espace tiers, hybride, où les frontières entre histoire personnelle et mémoire collective s’estompent. Le spectateur est invité à circuler, à écouter, à contempler à s’immerger dans ce récit suspendu entre deux mondes.

Les coulisses